Die Brücken von Budapest
Er kam an die Brücke und kreuzte sie bis zum Zentrum, wobei er sich nur mühsam fortbewegen konnte, denn der Schnee behinderte ihn und von der Donau her wehte ein Wind von unten, schwer, der sich festsetzte und unaufhörlich auf mich eindrang.“ Die Ferne (Lejana), von Julio Cortázar.
1951 publizierte der Schriftsteller Julio Cortazár sein Buch über Erzählung der Bestiarien, das erste Buch der Erzählungen in dem der Schriftsteller wahrnahm, was er wirklich ausdrücken wollte. Eine dieser Erzählungen ist „Die Ferne“. „Die Ferne“ ist eine fantastische Geschichte in der eine Frau, Alina Reyes, in Buenos Aires die Kälte, den schmerz und die Angst einer Frau die in Budapest lebt spürt. Sie fühlt es als wäre sie es selbst. Sie fühlt sich wie ihr Doppelgänger. Die Erzählung ist wunderschön und man kann sie im Internet finden. Am Ende treffen die Alina aus Buenos Aires und die Alina aus Budapest aufeinander und sie umarmen sich auf einer der Donaubrücken.
Ich frage mich, welche der Brücken die sich tatsächlich zwischen Buda und Pest über der Donau aufspannen gewesen ist, die sich Cortazár für diese Umarmung vorgestellt hat.
War es die Kettenbrücke? Sie ist die älteste und berühmteste Brücke. Sie wurde das erste Mal am 20. November 1849 eingeweiht, nachdem man 20 Jahre an ihr gearbeitet hatte. Während des Zweiten Weltkriegs wurde sie zerstört. Erst 1949 konnte sie nach der Restaurierung wieder eingeweiht werden. Vielleicht könnten man sie als den perfekten Ort für eine Vereinigung einer Person mit ihrem Doppelgänger annehmen, den diese Brücke ist in Wirklichkeit zwei: die von 1849 und die von 1949. Auch die Elisabethbrücke, die zu Ehren der Kaiserin Sissi errichtet wurde ist zwei in einem, da sie nach dem Krieg rekonstruiert wurde. Aber eines schliesst sie aus: ihre Rekonstruktion wurde erst 1964 abgeschlossen und wie bereits gesagt, publizierte Cortazár seine Erzählung bereits 1951.
Es gibt sechs Brücken, die in Frage kämen (und die man besuchen kann, wenn man in Budapest ist). Die die auch eine Eisenbahnbrücke ist und einen Abschnitt für Fußgänger und Fahrradfahrer hat. Die Árpádbrücke, 1950 eingeweiht, vielleicht zur gleichen Zeit in der der argentinische Schriftsteller anfing seine Geschichte zu planen. Obwohl, wenn man es gut durchdenkt, eine neue und moderne Brücke wäre für einen Poeten nicht sonderlich attraktiv für eine Geschichte wie „Die Ferne“. Die Margarethenbrücke wurde von einem Schüler des französischen Architekten Gustave Eiffel entworfen. Wir sollten sie nicht ausschliessen, bedenkt man, dass Cortazár in Paris lebte und die Stadt liebte.
Die drei anderen, die zu erwähnen bleiben, sind die Freiheitsbrücke und die Petöfibrücke, aber diejenige die es mit sicherheit nicht sein kein ist die Lágymányosi-Brücke, dier erst 1995 gebaut wurde, elf Jahre nach dem Tod des Autors von „Rayuela“.
vali
Wenn sie ein paar angenehme Tage verbringen wollen, sollten sie zusätzlich zu dem Mieten von appartments in Budapest auch das “Bestiarium” von Cortázar mitnehmen und die Erzählung “Die Ferne” auf einer der Brücken lesen.
Übersetzt: Mara Maroske
Rammstein in Budapest
Die Geschichte des Elektro in Deutschland ist ebenfalls lang. Mann kann ihre einen Namen geben: Kraftwerk. In Düsseldorf unter dem Namen „Organisation“, der dann in Kraftwerk geändert wurde, gegründet, beginnt die Reise dieser Band mit dem Krautrock in seiner experimentellsten Ausprägung. Die Klänge sind süß bis abgespaced bis sie sich irgendwann in die „Menschmaschine“ wandelten, den Schöpfern des Techno vor dem Techno und all den Erfindungen, die die Elektronik in den folgenden Jahren prägen sollten. Es sit mehr als offensichtlich, dass Rammstein in der Schuld von Acts wie Throbbing Gristle oder Einstürzende Neubauten stehen. Aber im Fall dieser Bands – Vorläufern der Generation Punk, dem Industrial und dem Experementieren – versuchten sie beschädigte Ebenen zu beeinflussen, in dem sie sich auf der Bühne anders verhielten, die Instrumente auf unkonventionelle Weise benutzten, was mehr mit dem Aufbegehren einer Lifeperfomance als dem Rock zu tun hatte.
Was Rammstein nun macht, ist genaugenommen weder Metall noch Elektro, vielleicht eher so etwas wie Rap. Wie lässt sich eine Band definieren, die ohrenbetäubende Gitarren und Industrialsounds benutzt sowie schnelle Sprechsätze einbaut und eine Stimmlage in deutsch auswählt, die kurz vor dem Militärton steht. Sieht man Rammstein heutzutage, muss man bedenken, dass sie eine Band der 90er sind, der Generation von „Trainspotting“ und aus der Zeit in der im Mainstream zum ersten Mal eine ernsthafte Verbindung von Industrie und Independent Musik erfolgte, die natürlich nie erfolgreich sein konnte. Rammstein ist Teil der Bewegung „Neue deutsche Härte“, ein Terminus der für die neue Generation erfunden wurde und die auch mit anderen Bands wie Oomph!, Stahlhammer, Samsas Traum und Megaherz in Verbindung gebracht wird.
Heute erscheint Rammstein zur Parodie hin grenzwertig und in vielerlei Hinsicht lächerlich. Der Weg Rammsteins, den sie für die Industrial Musik beschritten haben und für ihren harten und industriellen Sound ist für diejenigen, die Musik von Labels wie Universal hören durchaus von Bedeutung. Sie haben Millionen von Platten verkauft und sie haben grandiose Konzerte veranstaltet, die von gewaltätigen, theatralischen Bildern geprägt waren, die mit starken Spezial Effekten versehen waren, so dass sich Lifeshows ergaben, die genauso spannend anzusehen waren und die klar machen, dass die Medien der Musikbranche damit fortfahren, falsche Götter zu erschaffen, falsche Bilder, dass sie Verkaufszahlen für Künstler generieren, die nicht unbedingt das Neuste oder Erfrischenste sind. Für mehr Informationen über Rammstein und ihre Tour finden sie auf ihrer Webseite: http://www.rammstein.de/
Alexa Ray
Mieten sie appartments in Budapest damit sie es sich nach dem Konzert bequem machen können.
Übersetzt: Mara Maroske
Konzert von Rammstein in Budapest
Die erfolgreichste Band der „Neuen Deutschen Härte” geht mit ihren größten Erfolgssongs auf Tour. Ich spreche von Rammstein, von wem sonst! Die Deutschen sind auf großer Tour durch ganz Europa, und 2012 auch durch den Rest der Welt.
Rammstein wurde 1994 von Richard Z. Kruspe, Paul Landers, Till Lindemann, Christoph Schneider und Christian Lorenz gegründet, die auch heute noch Mitglieder der Band sind, welche sich seit ihren Anfängen durch ihren Industrial Metal Sound auszeichnete, den sie selber als „Tanzmetall“ bezeichnen. Der Name der Band ist auf ein kleines Rechtschreibproblem des Namens der deutschen Stadt Ramstein zurückzuführen, in der Ende der 80er Jahre ein schwerer Flugzeugunfall geschah. Laut den Bandmitgliedern wurde der Name der Stadt aus Versehen mit zwei „m“ geschrieben, jedoch ist die Zweideutigkeit von „ramm stein“ nicht zu übersehen. Aber dies soll uns jetzt nicht weiter beschäftigen, denn welche Bedeutung auch immer der Name der Band haben mag, ausschlaggebend ist, dass Rammstein seit ihren ersten Konzerten in deutschen Bars und Clubs bis zum heutigen Tag mehr als 12 Millionen Platten auf der ganzen Welt verkauft haben, was das Leben dieser Musiker und auch das ihrer Fans komplett verändert hat.
Aus den 8 veröffentlichten Platten, 20 Singles, sowie Live-DVDs, Fotografien, etc. hat die Band beschlossen, eine Best-Of Zusammenstellung mit dem Titel „Made in Germany 1995-2011” auf den Markt zu bringen. Und dies ist gleichzeitig auch der Name der Tour, die sie bei ihrem zweiten Stop nach Budapest führt. Das Konzert wird am 10. November um 20:00 h in der Papp László Budapest Sport Arena stattfinden. Für Preise und mehr Informationen besucht folgenden Link: http://www.rammstein.de/tour2011/index.de.html
Luz Obscura
Eine großartige Gelegenheit, zwei Fliegen mit einer Klappe zu schlagen. Einerseits eine wunderschöne und historische Stadt zu erleben, und andererseits eine Band, die ihre größten Hits zum Besten gibt. Mietet appartments in Budapest und werdet Teil von „Made in Germany 1995-2011″.
Übersetzt: Jule
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József Szolnoki “Die Homöopathische Realität“
Bis zum 31. November wird im Museum Ernst in Budapest die interessante Ausstellung “Die Homöopathische Realität“ des ungarischen Konzeptkünstlers József Készman gezeigt. Die Schau ergründet das Transitorische und die Wandel, Aspekte die das ungarische Kollektivgedächtnis durch die großen und starken Veränderungen der letzten 20 Jahre geprägt haben.
Die Ausstellung erforscht dies anhand dieses Wortes, das einen Typus der Medizin bezeichnet hinsichtlich der sozialen und politischen Gesellschaft Ungarns. Homöopathie ist ein Terminus der sich aus dem griechischen „homois“, was soviel wie „gleich“ bedeutet und „pátozs“, was „Leid“ oder „Schmerz“ bedeutet, zusammensetzt. Die Homöopathie basiert auf der Heilung von Krankheiten durch eine Substanz die der ähnelt, die die Krankheit ausgelöst hat. Sie hat einen ganzheitlichen Ansatz und behandelt sowohl den Körper wie die Psyche. Verschiedene Thesen diskutieren diese allopathissche Medizin, vor allem weil ihre Prinzipien so verlaufen, dass der Patient die Konzentration der Substanz mit Wasser verdünnt und so eine stärkere Wirkung erzielt.
Das Werk József Készman basiert auf dieser Logik und er sucht das Verständnis ähnlich wie bei der wahren Homöopathie zu fördern. Seine Arbeit beschäftigt sich der Bestätigung kultureller Einflüssen und Beziehungen die bei der Untersuchung des Publikums helfen, in der traumhafte Elemente ergründet werden, die durch seine Bilder in der Videokunst aufleuchten.
József Szolnoki, auch bekannt also Szokó ist ein wichtiger ungarischer Künstler, der im Multimediabereich arbeitet. Zur Zeit lebt er in Köln und ist Mitglieder des ungarischen Kunstteams Kaos Camping.
In seiner Arbeit vermittelt er uns seine Kindheit, diese wichtige Etappe seines Lebens die ihn stark geprägt hat. Sein Angstgefühl zu erklären wie er in einer Woche erster Komunikant und junger Pionier der Partei wurde. Verwirrung und Angst ist es, was sich durch seine Fragen über die Koexistenz der verschiedenen ideologischen Systeme in der Seele der Menschen und dem Geist ausdrückt.
Szolnoki sucht die Essenz und das Mysterium in der Identität, in seiner Arbeit “Die Homöopathische Realität“ sieht er die ungarische Gesellschaft wie einen Körper der alle seine Bindungen mit dem hergeleiteten Leid, das aus den kulturellen Einflüssen die durch die Wandel des 20. Jahrhunderts entstanden sind, verstärkt hat und die letztlich die Gründe für das Entstehen dieser Identitäten sind.
Wie in der Homöopathie schlägt Szolnoki vor, dass man das Schlechte auskurieren kann, wenn man die Substanz verdünnt wieder einimpft, so dass die Gesundheit wieder hergestellt werden kann und zwar die der Seele der Gesellschaft. Diese Arbeit setzt sich grundlegend mit sozialer Schmerz und Angst auseinander in der die Erinnerung eine wichtige Rolle spielt und dem Betrachter den Geist Ungarns vorführt.
Eine große konzeptuelle Herausforderung die Szolniki hier leistet. Er konstruiert und dekonstruiert die formale Sprache um seinen ästhetischen Anspruch zu statuieren, der vielen Verschlüsselungen hinsichtlich der politischen Kunst erliegt.
Für mehr Informationen: http://www.mucsarnok.hu/new_site/index.php?lang=en&t=590&curmenu=106
Nancy Guzman
Ungarn besitzt seine eigene Magie. Wenn sie Zeit haben und sich zu Ende des Jahres ausruhen möchten, mieten sie appartments in Budapest und verbringen sie herrliche Tage an den Ufern der Donau ist einer der mitreißensten Städte Europas.
Übersetzt: Mara Maroske
Yona Friedman in Budapest
Das Ludwig Museum in Budapest präsentiert ab dem 28. Oktober eine der bedeutendsten retrospektiven Ausstellungen der Werke des Künstlers, Architekten und Städteplaners Yona Friedman. Bis zum 8. Januar 2012 sind seine theoretischen Verfahrensweisen, graphisches Material, Pläne und Zeichnungen zu bewundern.
Die Exposition ist darauf ausgerichtet, nahezu alle relevanten Aspekte von Friedmans Werken zu behandeln, angefangen bei der Entwicklung seiner Arbeiten als Architekt und Städteplaner, bis hin zu seinen theoretischen Fragestellungen, die zu einer obligatorischen Quelle für junge Künstler und Architekten wurden, welche ihre Werke vor dem Hintergrund öffentlichen Raumes entwickeln möchten, oder diesen und seine Verbindung mit dem Individuum zu ihrer Aufgabe gemacht haben.
Yona Friedman wurde 1923 in Budapest, Ungarn, geboren. Obwohl er die französische Nationalität angenommen hat, gilt er als einer der wichtigsten lebenden Vertreter der zeitgenössischen Kunst Ungarns. Er wurde vor allem durch seine Theorien zur Stadtplanung berühmt, die seiner Zeit weit voraus waren, sowie durch seine interessanten Konzepte, welche die Sichtweise der Entwicklung von Städten und Siedlungen revolutionierten, indem sie in auf Nachhaltigkeit basierende Modelle eintauchten. Darüber hinaus widmete er sich ebenfalls dem Animationsfilm und Design.
Er gilt als der Vater der utopischen Architektur und seine Arbeiten bewegen sich stets in Bereichen, die gleichermaßen Kreation und Theorie tangieren, wobei er auch viele seiner Problemstellungen in einem „unlösbaren“ Zustand belässt, was technische und praktische Aspekte angeht. Daher die Bezeichnung der utopischen Architektur.
Während des Zweiten Weltkrieges floh er vor der Unterdrückung der Nazis und ließ sich in Haifa, Israel nieder, wo er mehr als ein Jahrzehnt seines Lebens verbrachte. Im Jahre 1957 zog er schließlich nach Paris, wo er 1966 auch die französische Staatsbürgerschaft bekam.
Im Jahre 1956 nahm er mit seinem Manifest „L’Architecture Mobile” an den X Internationalen Kongressen Moderner Architektur in Dubrovnik teil und revolutionierte die Architektur mit seiner fortschrittlichen Sichtweise über die Planung von Städten, die den Bewohnern viel Bewegungsfreiheit boten und brach somit mit den strengen Ideen der architektonischen Struktur.
Zu den Anwendungen und Materialisierungsformen der Mobilen Architektur zählt auch das Raumstadtkonzept „La Ville Spatiale“, welches die Möglichkeit der Konstruktion von, durch die Bewohner selbst zerlegbaren, veränderbaren, mobilen und adaptiven Räumen vorsieht. Eine revolutionäre Idee der gesellschaftlichen Architektur, welche die gesamte Karriere und das Werk Friedmans prägen sollte.
Im Jahre 1958 gründete er die „Groupe d´étude d´architecture mobile“ (GEAM), die zwar von relativ kurzer, dafür aber sehr produktiver Lebensdauer war und sich 1962 wieder auslöste. Sie galt als grundlegende Referenz für den Prozess des Wandels und der Veränderung der 60er Jahre.
Zu seinen bedeutendsten Werken zählen die „Cylindrical Shelters“, ein Vorschlag für Bauten für Immigranten aus dem Jahr 1953; die „Span-Over Blocks“ aus dem Jahr 1958 als Teil seines Manifestes der Mobilen Architektur und im Jahre 1989 das „La Villette Science Museum“ in Paris.
Im theoretischen Bereich veröffentlichte er das Buch Toward a Scientific Architecture bei MIT Press im Jahre 1975, sowie Meine Fibel im Jahr 1982 und Pro Domo bei ACTAR D im Jahre 2006. Diese und weitere seiner Veröffentlichungen zeugen von einem fruchtbaren theoretischen Fortschritt und seinem Bestreben um ein fortschrittlicheres Denken für ein besseres Leben in den Städten.
Für mehr Informationen http://ludwigmuseum.hu/site.php?inc=kiallitas&kiallitasId=763&menuId=44
Nancy Guzman
Wenn Sie ein paar romantische Herbsttage in appartments in Budapest verbringen und bei einem Spaziergang durch die wunderschönen Straßen der Stadt die bewundernswerte Architektur genießen, besuchen Sie diese Erstausstellung im Ludwig Museum.
Übersetzt: Jule
Kontaktieren Sie mich
Das Planetarium in Budapest
Für die alten Griechen war zu Beginn von allem die Leere, eine unendliche, schwarze Leere, wo man nichts sehen konnte. Diese Leere nannten sie Chaos und aus ihm formte sich Gea, die Erde, die seine Antithese war, und der Welt einen Boden gab.
Denn ohne Boden wäre die Welt gar nichts, und daher auch die menschliche Notwendigkeit, alles zu beschreiben. Das Mysterium muss immer umgangen werden, und es ist besser an nichts zu glauben, wie Nietzsche lehrte, als nichts zu haben, woran man glauben kann, es gibt diesen Impuls der Einstein selbst packte, der vor den Implikationen seiner wissenschaftlichen Erkenntnisse erschrak, so dass er sich eine Konstante ausdachte, um der Welt nicht den Boden zu entziehen.
Die alten Griechen, wie so viele alte Kulturen, versuchten zu beschreiben, was es vor der Welt gegeben hatte, anhand von Mythen und Geschichten, deren Namen noch heute bekannt sind, aber deren Inhalt wir kaum noch kennen.
Auf jeden Fall sind die neuen Geschichten immer weniger einleuchtend, sie erinnern immer mehr an das griechische Chaos, jene schwarze Nacht. Auf der anderen Seite, je eleganter die Erklärungen werden, desto konzentrierter und genauer, desto mehr erscheinen diese in Verbindung mit den antiken Geschichten zu stehen, die lediglich andere Begriffe benutzten.
Und obwohl wir diesen Mythen heute kaum noch glauben schenken, so erscheinen unsere Geschichten nicht weniger instabil. Wie zum Beispiel jene „Entdeckung“ eines neuen Sterns in der Milchstraße, der fast genauso alt wie das Universum selbst zu sein scheint. Ein Stern der SDSS J102915+172927 heißt, und der von seiner Komposition her aus Helium und Wasserstoff besteht, und sich nach unseren Entstehungsvorstellungen niemals hätte entstehen können, was uns wieder in jene dunkle Leere katapultiert. Dieser neue Stern ist noch nicht im wunderschönen Planetarium in Budapest (http://www.planetarium.hu/) zu sehen, aber es handelt sich um ein so beeindruckendes Gebäude, dass man es auf jeden Fall sehen muss.
Paul Oilzum
Verpassen Sie nicht die Gelegenheit, diesen außergewöhnlichen Ort in Form einer Untertasse zu besuchen, wenn Sie appartments in Budapest gemietet haben. Wenn Sie an einem Regentag dorthin gelangen, dann erinnern Sie sich an den Film Manhattan und daran, dass sie kaum eine romantischere Location in der ganzen Stadt finden werden.
Ãbersetzt: Heloise Battista
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Fotorealismus. Version de Realität in Budapest
Bis zum 15. Januar 2012 präsentiert das Ludwigmuseum in Budapest die Ausstellung East of Eden. Fotorealismus, Version der Realität, die eine große Auswahl an Arbeiten zeigen wird, die von den Fotorealisten in den 60ern und 70er Jahren gemalt wurden, und die die Kunstszene Europas und der USA dominierten.
Die Ausstellung erforscht eine Bewegung, die eher unbekannt ist und von Kunsthistorikern grundsätzlich unterschätzt wird und auf der anderen Seite Teil der westlichen Kunstgeschichte ist, seit ihren primitiven Formen, über den Neoklassizismus gegen Ende des 19. Jahrhunderts, und die Avantgarden der Moderne.
Die Entwicklung der Fotografie und die Vergrößerung und Projektion der Bilder hat dazu geführt, dass der Realismus in den 60er und 70er Jahren besiegt wurde, was neue Bildsprachen eröffnete.
In der Ausstellung sind Arbeiten wichtiger Künstler zu sehen, aber auch viele jener Künstler, die vergessen worden sind. Unter ihnen befindet sich der Amerikaner Robert Bechtle, der als einer der Gründer des Fotorealismus gilt, neben Richard Estes, Ralph Goings und Chuck Close. Seine ersten Schritte im Fotorealismus machte er ab eigenen Fotografien und der Realität in San Francisco. Seine Werke sind unter anderem im Museum of Modern Art und im Met in New York, im Guggenheim, dem Smithsonian und dem Museum of San Francisco ausgestellt.
William Beckman ist ein weiterer Vertreter des Fotorealismus, den man in dieser Ausstellung findet. Beckman hat sich darauf spezialisiert Fottografien zu malen, die sehr emotional, sowie sexuell sind. Seine Arbeiten sind in vielen wichtigen öffentlichen Sammlungen zu finden, wie beispielsweise im Whitney Museum in New York, und dem Museum für Moderne Kunst Wien, unter anderem.
Auch Milan Bockay, tschechischer Künstler, ist in der Ausstellung vertreten. In den 70ern macht er Ölgemälde mit Vergrößerungen des menschlichen Körpers und Alltagsgegenständen.
John Clem Clarke ist einer der bekanntesten amerikanischen Popkünstler der 60er. Er ist dafür bekannt alte Meister wieder zu bearbeiten, und auf Flohmärkten alte Fotografien zu suchen.
Neben diesen Werken großer Künstler gibt es auch rund 20 Künstler, die Fotografien bearbeitet haben, um ihre Werke zu machen.
Mehr Information unter: http://ludwigmuseum.hu/site.php?inc=kiallitas&kiallitasId=762&menuId=44
Nancy Guzman
Wenn du nicht weißt, wie man die Fotografie nutzte um große Kunstwerke fertig zu stellen und mehr erfahren möchtest, dann miete diesen Herbst appartments in Budapest und besuche diese fantastische Ausstellung.
Ãbersetzt: Heloise Battista
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Herbstfestival in Budapest
Der Herbst ist in der Regel eine Zeit des Jahres der man in der Regel nicht viel Aufmerksamkeit schenkt. Das heißt, im Sommer gibt es die Hitze, im Winter die Kälte und den Schnee und somit wenig Möglichkeiten, rauszugehen. Der Frühling und der Herbst sind die Übergänge von einem Extrem ins andere. Aber der Herbst verspricht angenehme Tage, wo die Hitze runtergeht. Im Herbst kann man lange Spaziergänge machen, Fahrradfahren, auf Terrassen Kaffee trinken, oder eine Zigarette rauchen, während man den Blättern beim fallen zusieht. Das Aroma der Straßen verändert sich, der Verkehr wird ruhiger, und wenn du in einer Stadt wie Budapest lebst, verringert sich die Menge an Touristen und es wird einfach angenehmer.
Budapest ist nicht mit Orten wie Paris, London, New York oder Berlin zu vergleichen, die im Sommer voller Touristen sind. Der Sommer in New York ist sehr unangenehm – wegen der Touristen vor allem, die die Stadt unsicher machen. Der Eifelurm in Paris füllt sich mit Menschenschlangen, die vor der Themse drängeln sich die Leute, um ein Foto zu schießen. Aber Budapest bleibt trotz der Menschenmassen irgendwie ruhig. Stell dir vor im Herbst durch ihre Straßen zu spazieren, die Schönheit der Menschen Ungarns kennenzulernen, das ungarische Essen und das angenehme Herbstwetter zu genießen.
Ein anderer Grund, um im Herbst nach Budapest zu reisen, ist das Herbstfestival, das jedes Jahr in der Stadt stattfindet. In diesen Tagen gibt es eine Unmenge an Optionen um die Kunst, Musik, Fotografie, Skulptur und Tanz kennenzulernen, sowie die Mode und Neue Medien. Es gibt auch Ausstellungen und Filmvorführungen, sodass dies ein Festival ist, dass für jeden etwas bietet. Mehr Information unter der Website des Festivals. http://www.fesztivalvaros.hu/
Alexa Ray
Miete appartments in Budapest und entdecke die Wunder dieser Stadt im Herbst, sowie ihr schillerndes Kulturleben, das für jeden Geschmack etwas zu bieten hat. Verpasse nicht diese Gelegenheit, denn im Herbst sind die Flüge überdies viel günstiger als zu Saisonzeiten. Ein magischer Herbst in Budapest nur für dich.
Ãbersetzt: Heloise Battista
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Bónusz – das Electronic Music Festival in Budapest
Die Wirkung von elektronischer Musik lässt sich wohl kaum mit der anderer Musikstils vergleichen. Wenn sich auch alles um sich wiederholende Rhythmen und Lieder dreht, um konstante Mischungen von Takten, Gesang und Interpretationen, so bringt das Eintauchen in die elektronischen Musik doch einen sehr viel intensiveren Rausch der Sinne mit sich als vielleicht jedes andere Genre. Abgesehen vom ständigen Drogenkonsum auf Festivals, Raves oder Underground Partys hat die Musik an sich einen sehr viel stärkeren Einfluss, belebt die Phantasie, das Verlangen und den Körper auf Partys, die in manchen Momenten geradezu rituell anheimeln, sozusagen moderne technologische Rituale. Das Interesse an den ersten Formen der elektronischen Musik ging von der Untersuchung elektrischer Systeme in stromerzeugenden Apparaten von vor mehr als 50 Jahren aus. Mit dem Eintritt der Elektronik in unser tagtägliches Leben als eine Ware mit einer Vielzahl von Varianten und Möglichkeiten des Konsums ging auch der Fortschritt der Technologien einher und es entstanden neue Möglichkeiten, Effekte per Computer zu kreieren.
Hierbei spielte wohl auch der Verfechter der psychedelischen Drogen, Timothy Leary, eine wichtige Rolle, der in seinen Vorträgen über LSD und seine Auswirkungen auf den Körper, der an sich schon eine elektronische Maschinerie darstellt, behauptete, dass der Konsum von Drogen die Grenzen unseres Geistes und auch unseres Körper erweitern würde, indem die elektrischen Impulse, die wir in uns tragen, auf neue Ebenen der Phantasie und der Realität gehoben würden, entgegen einer Weiterentwicklung, die durch die Stimulierungen des LSD gesteuert wird. Die Inspiration, die Leary auf die deutsche Musikgemeinde und Urheber des so genannten Krautrock – und die Elektro-Paten Kraftwerk – ausüben sollte, war grundlegend für das Verständnis der mentalen und sensorischen Erweiterung durch elektronische Effekte und Apparate: den Synthesizern.
Den Werdegang von Kraftwerk hier zu resümieren ist sicherlich nicht nötig, allerdings sollte daran erinnert werden, dass die Effekte der elektronischen Klänge sich ebenfalls mit den verschiedenen Werkzeugen und Apparaten verändert haben, die in der heutigen Generation der elektronischen Musik und ihrer Reproduktion verwendet werden. Von diesem Gesichtspunkt aus sind die Elektro-Festivals eine Art Pilgerevents einer Subkultur, die ohne es zu wissen schon so sehr in das System integriert ist, dass man ihr nur noch sehr wenig anzubieten hätte, ohne dass sie es als Gefälle hin zum „Mainstream“ verstehen würde. Wie wir wissen, ist die Institution der „Festivals“ überall präsent und trägt unter anderem dazu bei, die musikalische Aktualität sowie die daraus entstehenden Massen und Reaktionen besser zu verstehen. Wir sind heutzutage so eng mit Computern verbunden, dass es völlig abwegig erscheint, auch nur daran zu denken, sich von der elektronischen Musik und ihrer Möglichkeiten abzuwenden. Wir kommen der Zukunft Schritt für Schritt näher, die wie in dem Film Blade Runner die Entfaltung der Vorlieben für die Elektronik und künstliches Leben impliziert. Vielleicht ist ja die Musik der Weg, der uns in eine Zukunft führt, die bereits begonnen hat, auch gegen unseren Willen, von unseren eigenen Sinnen ausgehend. Kommen Sie nach Budapest und erleben Sie elektronische Musik auf dem besten Festival seiner Art in diesem Jahr. Für mehr Informationen besuchen Sie folgende Website: http://www.bonuszfesztival.hu/2011/
Alexa Ray
Mieten Sie appartments in Budapest und werden Sie Teil eines Festivals mit dem Besten, was die elektronische Musik momentan zu bieten hat.
Übersetzt: Jule
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Site Inspection im Museum Ludwig in Budapest
Zum 20 jährigen Jubiläum der ersten ständigen Ausstellung im Museum Ludwig gibt es jetzt bis zum 23. Oktober „Site Inspección – The Museum on the Museum” zu sehen. Die Schau konzentriert sich auf die aktuelle Diskussion über das Museum und seinen Umgang mit der Kunst, den Künstlern und dem Publikum.
Diese Ausstellung wurde von Katalin Székely zusammen mit dem kuratorischen Team des Museum inszeniert, wobei die großen Veränderungen ins Zentrum gestellt wurden, die der museale Ort in den vielen Jahren durchgemacht hat, wie auch die Kritik der Künstler, die den gesamten Prozess während des 20. und 21. Jahrhunderts begleiteten.
Diese ambivalente Verbindung der Künstler mit der Institution war konstant und beständig. Eine Verbindung mit Anziehungs- und Abstoßungskräften, in welcher der Künstler die Institution benötigt, gleichzeitig aber seine intensivsten Kritiken auf den sozialen Ort der Repräsentation richtet, was signifikant ist für das heutige Museum als Ort der Macht, grundlegendes Bindeglied zum Kunstmarkt und Einfluss nehmend auf Status und Wert des Werkes.
Die Ausstellung legt einen Schwerpunkt auf die die Neoavantgarde der 70er Jahre, sowohl im nationalen, wie auch internationalen Hinblick. Dieser gezielte Blick auf die Neoavantgarde kommt zustande, weil die institutionelle Kritik in einigen Medien als Vorläufer, für Orte der zeitgenössischen Reflexion über das Museum an sich, in Erwägung gezogen werden könnte.
Aber es sollte nicht voraus gegangenen Prozesse zur Kritik vergessen werden, wie die lebhaften Kritiken der Künstler klassischen Avantgarde. So bleibt Marcel Duchamp zu erwähnen, der einer der ersten war, der das Paradoxon der Kunst in ihrem Kontext aufdeckte, die Beziehung zwischen Museum, Künstler und Zuschauer.
Für die Konzeptkünstler der 60er und 70er war dies der entscheidende Dreh – und Angelpunkt. Das Werk ergibt in seinem Kontext Sinn und daher wandelten sich die Museen in unbewegliche, rigide Räume, in denen die Formen und Räume für jedes Kunstwerk festgelegt waren wobei sie von dem Entstehungsprozess und dem Betrachterverhältnis entfremdet wurden. Für die Avantgarde ist das Museum Teil des sozialen Räderwerks und es steht auch für Ideologien, die Repräsentation der Formen, der sozialen Verhältnisse und des Marktes zu dem sie gehören. Die Avantgarde wird durch ihre Kritik und Untersuchungen zum sozialen Raum und allem was dazu gehört geleitet.
Die interessante und komplexe Situation wird in den Filmen und Videos sehr gut reflektiert, die in dem Kinobereich der Ausstellung gezeigt werden und dabei auf Arbeiten von Künstlern wie Costa Gavras, Woody Allen, Alfred Hitchcock, Aleksandr Sokurov und vielen anderen zurückgreifen.
Die Künstler, die mit der institutionellen Kritik auf eine bewußte Art begannen und sie in ihren Werken, Projekten und Untersuchungen während der 60er und 70er Jahre aufgriffen, schufen nichtkommerzielle und unverkäufliche Stücke. Oft mit der Idee, ein ephemeres oder für die Logik des Marktes wertloses Projekt zu schaffen.
So können wir in dieser Ausstellung Arbeiten von Künstlern wie Marcel Duchamp, Andrea Fraserer, Halász Károly, NETRAF, Dalibor Martines, Alan Sekula, Hans Haacke oder Azorro Group, sehen.
Für mehr Informationen:
http://ludwigmuseum.hu/site.php?inc=kiallitas&kiallitasId=782&menuId=43
Nancy Guzman
Wenn sie sich diesen Sommer dazu enschieden haben, an die Ufer des Donaus zu fahren und eine Erholungspause in appartments in Budapest einzulegen, verpassen sie nicht, dass beeindruckende Museum Ludwig zu besuchen und sich diese Ausstellung kritisch anzusehen, die die großen zeitgenössischen Künstelers des 20. Jahrhundert versammelt.
Übersetzt: Mara Maroske
