Le Museum of Fine Arts de Budapest presente The Age Of Pieter Bruegel. Art néerlandais du XVIe siècle, qui montre un panorama sur les grandes transformations du dessin flamenco survenus entre le XVIe et le XVIIe siècle. Cette fois-ci, on exposera de nombreuses œuvres de cette période qui témoignent de cette évolution, puisque entre 1932 et 1967 des petites expositions ont été réalisées sur ces dessins.

Le XVIe siècle a été marqué par de grands événements historiques qui ont influencé l’art européen. Le Pays-Bas, où se développe l’art néerlandais, vit de grands changements qui affectent sa vie intellectuelle et les œuvres d’art puisque la fissure entre les cultures médiévales et modernes avec l’humanisme apparu avec la renaissance italienne, vont jouer un rôle important dans la création d’un nouveau système de valeurs qui vont imprégner les arts.

Nous pouvons apprécier ces transformations sur les dessins présentés à cette exposition. Il y a des œuvres de Jan Gossaert, Roeland Savery, Pieter Brueghel, Lodewijk Toeput, Bartholomeus Spranger et Frederick Sustris, appartenant au Musée Albertina de Vienne et elles ont été prêtées pour cette occasion, puisque le Musée of Fine Arts de Budapest ne possède pas de matériel suffisant pour montrer ce processus de manière panoramique.

Mais la collection du Musée est célèbre pour quelques oeuvres, certaines montrent des paysages, comme celles de Pieter Stevens dont le musée possède l’œuvre complète. Il y a également Paulus van Vianen, Frederick van Valckenborch et Anton Mirou.

Pieter Brueghel ou Brugel, connu comme “Le Vieux”, né autour de 1525, même si l’on ne connaît pas la date et le lieu de naissance. Il a été peintre, graveur et a fait partie de l’école des artistes flamands. Il est considéré comme l’un des plus grands représentants de la peinture du XVIe siècle aux Pays-Bas et avec Van Eyck, Rubens, Jeronimo Bosco, ils sont les plus grands peintres flamands.

Il s’installe à Amberes entre 1555 et 1563 où il réalise des dessins pour l’éditeur Hyeronimus Cock, qui commande certaines gravures. Pendant cette époque, il produit 16 œuvres pour des mécènes. Nicolas Jonghelinck s’intègre au cercle d’artistes et fréquente des hommes érudits pour leur grande culture.

Brueghel est connu pour ses paysages profondément humanisés. Son œuvre est d’une grande précision et les détails impressionnent. C’était un grand observateur, il pouvait ainsi reproduire avec des détails les gestes des campagnards, leur physionomie, leur posture face aux situations, la manière de marcher et leurs tenues vestimentaires dans les peintures. Il dessinait avec beaucoup d’habilité et il dominait la plume. Brueghel a su dépassé le maniérisme italien et les primitifs flamands, parvenant à une conception plus moderne et réaliste de la peinture. L’une de ses œuvres les plus célèbres est la série des cadres sur la Tour de Babel : La Construction de la Tour de Babel et la Petite Tour de Babel.

Pour de plus amples informations, cliquez sur le lien suivant : http://www.szepmuveszeti.hu/web/guest/articleview?mi_layout_id=29.30&mi_article_id=1015

Nancy Guzman

Si vous souhaitez vivre une expérience inoubliable cet été pendant vos vacances, il vous suffit de louer l’un des appartements à Budapest et de parcourir les musées et les galeries de cette ville.

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Jusqu�au 10 juin le Musée Ludwig de Budapest expose The Space of the Image, qui définit les aspects conceptuels de l’œuvre de l�artiste János Megyik. L�exposition exprime les questions que Megyik se pose sur l�art et la place de la peinture, puisque son grandiose travail artistique fut à l�aube de la peinture, de la sculpture et de l�architecture avec ses modelages de structures de panneaux peints.

L�exposition montre le travail de Megyick et sa recherche centrée sur la spécialité, demandant comment se réalise la peinture sur le tableau dans le monde de Megyick pour créer un modèle tridimensionnel. Pour répondre à cette inconnue, l�exposition analyse ses constructions de bois, photogrammes, reliefs de carton et plaques avec tâche de ses derniers temps, son travail comme architecte.

János Megyik naquit à Szolnok, en Hongrie, en 1938. Entre 1950 et 1954 il étudia la peinture avec Károly Harmos à Rev Komarno en Slovaquie. En 1954 il déménage à Budapest et étudie durant deux ans à l�Institut de Beaux Arts d�Arts Appliquées et en 1956 il émigre à Vienne. Là, il étudie à l�Académie de Beaux Arts de Vienne où il connait Andersen, Dobrowsky, Boeckl.

En 1963 il commence ses études de peinture sur panneau et la réflexion sur les modèles tridimensionnels qu�il produit, étant très influencé par les études de la géométrie projective. Une décade plus tard, il va utiliser ses études sur l�espace pour réaliser les sculptures en métal, matériel qu�il changera pour le bois des années plus tard incluant d�intéressants plans architectoniques pour les réaliser.

En 1972 il expose son travail La Construction du Néant réalisé avec Alpár Bujdoso pour la Première Conférence de l�Atelier Hongrois réalisé à Marly le-Roi. La géométrie projective et la subjectivité des plans constituèrent l�essence de son œuvre plastique, surtout dans ses travaux de reliefs avec des planches en acier qui dominèrent son œuvre dans les années 90, quand il joue avec les formes géométriques et la perspective de l�espace.

En 1977 il réalisa les photogrammes sur ses sculptures en bois. Son énorme capacité d�étudier la figure, les plans et le mouvement le mena à travailler avec la figure humaine dans les années 80, quand il voyage à New York pour continuer à étudier. Son regard sur le corps humain il l�exprime par des sculptures tridimensionnelles réalisées avec de fines baguettes qui donnent l�image de mouvement, malgré la rigidité du matériau.

En 1991 il reçoit le Prix Munkácsy en reconnaissance pour son travail et son apport à la culture. A la fin des années 90 il commence à travailler à Kötcse, province de Somogy et voyage à Rome pour réaliser des études avec une bourse attribuée par l�Académie Hongroise.

János Megyik a travaillé et expérimenté avec son œuvre la géométrie libre et poétique. Sa délicate œuvre sculpturale réalisée avec perfection et rigueur est une des plus intéressantes du XX ème siècle, non seulement parce qu�elle expérimente des formes, mais aussi car elle est faite de matériaux nouveaux, comme les grandes sculptures réalisées en bois.

Pour plus d�information: http://www.ludwigmuseum.hu/site.php?inc=kiallitas&kiallitasId=800&menuId=44

Nancy Guzman

Une bonne époque pour se promener sur les rives du Danube est le printemps, pour cela vous devez louer à l�avance des appartements à Budapest et oubliez le stress en assistant à de bons plans culturels comme l�exposition sur János Megyik.

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Le Musée Vasarely à Budapest présente jusqu�au 1er mai l�exposition OSAS PLUS. Elle est réalisée par les artistes créateurs de l�Open Structure Art  Society (OSAS). Cette année, l�exposition représente une intéressante proposition, où chaque artiste de l�OSAS est à la fois conservateur, en faisant en sorte que le choix du thème de l�exposition soit libre, sans aucune restriction thématique. L�exposition s�organise autour de 10 artistes. Il y a en effet plus d�artistes hongrois qui ne sont pas inscrits à l�OSAS que des artistes étrangers invités. L�historienne d�art Julia N. Mészáros et le collectionneur et critique d�art Andras Szollosi-Nagy, participeront en tant que conservateurs.

OSAS a commencé à organiser ces expositions en 2006. Ils ont réalisé une deuxième édition trois ans plus tard. Avec OSAS PLUS, ils programment la troisième édition qui s�inscrit dans la tradition des expositions du Musée. Même si ces expositions sont programmées tous les trois ans, 14 autres expositions thématiques sur l�art contemporain ont été réalisées avec succès durant ces six années au Musée Vasarely. Cet établissement est devenu le siège principal de leurs expositions. Les thématiques y abordent les arts graphiques, l�art conceptuel ainsi que la déco-design.

Dans le cadre de cette exposition, on a voulu rendre hommage à la sculptrice Katalin Hetey, décédée en 2010. Pour ce faire, une exposition a été organisée afin de présenter les brouillons et croquis de ses oeuvres. Cette exposition prêtera attention à l�oeuvre graphique intitulée Pièce Unique associée aux oeuvres des membres de l�OSAS, dont ils disposent seulement quinze exemplaires.

Les dix artistes qui seront exposés sont: István Haasz, Gáyor Tibor, Konok Tamás, Dora Maurer, Andras Mengyán, István Harasztÿ, Judith Nem, Vera Molnar, Janos Megyik et Istvan Nadler. Ils ont sélectionné leurs propres oeuvres, certaines plus récentes et d�autres plus anciennes. Les thématiques sont libres et chaque artiste invite un artiste hongrois ou étranger afin qu�il puisse présenter son travail.

Tibor Gayor est un peintre hongrois qui ordonne les éléments visuels afin de donner de la force et du sens au contenu de son travail. Depuis les années 60, il travaille la peinture géométrique, abstraite avec un jeu sur les tons qui sont compatibles avec ses jeux visuels.

L�oeuvre de János Megyik est toujours à la limite de l�architecture, de la sculpture et de la peinture. Il utilise des matériaux très simples afin de concevoir des oeuvres à trois dimensions et joue sur les couleurs pour opposer les plans, en faisant apparaître des volumes.

Vera Molnar est une peintre hongroise qui a toujours recherché la logique dans le processus création de ses oeuvres. Actuellement, elle travaille dans la construction de formes géométriques assistée par ordinateur, qui évolue peu à peu afin d�apprécier l�évolution et la transformation qui se produisent à travers des modifications successives.

Judith Nem est une artiste hongroise représentante de l�art géométrique des années 50 et 60. Elle a également exploité la tendance créative du livre objet et l�art graphique assisté par ordinateur. Elle vit aujourd�hui à Paris.

Pour de plus amples informations, veuillez consulter: http://www.vasarely.hu/kiallitasok_en/index.php?main_menu[main_menu][item]=3&lang[lang]=en

Nancy Guzman

Pour appréhender la vie autrement et avec un peu plus d�optimisme pendant les moments difficiles, il est recommandé de prendre quelques jours de congé afin de profiter de l�arrivée du printemps. N�oubliez pas non plus de louer l�un des appartements à Budapest Vous ne le regretterez pas.

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Jusqu�au 18 mars, le Musée Ernst de Budapest expose l’œuvre Opus Magnum de l�artiste polonaise NATALIA LL. Avec cette exposition rétrospective hommage est rendu à l�artiste conceptuelle qui durant 40 ans a travaillé l�art politique féministe, produisant une importante œuvre qui se traduit en peintures, dessins, performances, photographies, vidéos et installations.

NATALIA LL est une des artistes avant-gardistes les plus connues de Pologne, son travail d�art expérimental avec la théorisation inversée dans plusieurs textes, l�a mené à être une pionnière dans plusieurs milieux de l�art, elle a aussi réalisé des œuvres altérant son propre corps.

Lach Lachowicz, véritable nom de NATALIA LL, naquit à Zywiec, en Pologne, en 1937. Elle étudia à l’École supérieure des Beaux Arts de Wroclaw entre 1957 et 1963. Au début des années 70 elle fait partie du collectif d�art Permafo, avec les artistes Zbigniew Dluback, Antoni Dzieduszycki et Lachowicz Andrzej, avec qui elle créa une galerie d�art contemporain avant-gardiste.

Dans les années 70, en plein essor des idées politiques du féminisme, elle s�unit au mouvement international féministe, devenant en peu de temps une remarquable représentante et elle réalisa des expositions sur l�art féministe en Pologne, introduisant la réflexion sur le rôle de la femme dans la société et ses représentations, au travers de performances.

A la fin des années 60, influencée par la littérature du Marquis de Sade et de Georges Bataille, elle travaille dans la recherche de la photographie érotique et réalise trois œuvres basées sur elles, Esfera íntima (Sphère intime), Terror de terciopelo (Terreur de velours) et Fotografía íntima (Photographie intime). Avec ces trois œuvres elle défie la rigidité morale dominante.

Au début des années 70 elle s�interroge sur le rôle de l�image dans la société et développe une série de travaux photographiques sous le titre Art du consommateur. Au travers de ces derniers elle explore la signification des changements de consommation et elle se plonge dans une série d�art post, sur les représentations photographiques des images qui sont impossibles dans la photographie. Elles sont nombreuses les œuvres qui naissent de cette recherche, parmi elles se trouve Ciclo artificial (Cycle artificiel).

A la fin des années 70 elle découvre le potentiel que détient la vidéo, malgré le fait qu�elle ne soit pas encore une technique très bon marché et qu�elle soit peu maniable pour un non professionnel, et réalise les œuvres Tiempo de registro y Memorias (Temps d�enregistrement et Souvenirs).

La décade des années 80 fut difficile en Pologne. Surgit avec force le Mouvement Syndical et ils réussirent à stopper la production dans une grande partie du pays, ce qui entraîna l�implantation de la loi martiale et avec elle, la revalorisation éthique dans la société. Ceci emmène NATALIA LL à déplacer sa recherche sur les thèmes philosophiques et religieux. A cet époque, elle commence un processus de travail avec son propre corps déconstruisant son visage dans l’œuvre Peur panique, entre autres.

Dans les années 90, après la chute des socialismes réels et l�ouverture de la discussion sur l�“origine du mal”, elle réalise d�intéressants travaux comme Esfera de pánico (Sphère de panique) et plusieurs autres œuvres.

Pour plus d�informations: http://www.mucsarnok.hu/new_site/index.php?lang=en&t=630&curmenu=201&kovetkezo_collapse=0

Nancy Guzman

Rien de tel que la romance sur les rives du Danube, louez des appartements à Budapest et vivez l�atmosphère de rêve qu�offre cette ville coupée en deux par la rivière.

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Le Musée des Beaux-Arts de Budapest présente jusqu�au 5 février un exposition intéressante du peintre hongrois Sándor Hollán, Le Chemin de l�arbre. L�exposition est un hommage à l’oeuvre de l�artiste qui exploite la  nature pour exprimer les difficultés existentielles à travers la peinture et le graphisme.

Cette exposition présente près de 100 œuvres d’artistes comprenant les grands maestros. Le musée parcourt non seulement l�œuvre d�Alexandre Hollen en observant ses influences et ses changements, mais il s’agit également d’une exposition intéressante de l�art hongrois.

Sándor Hollán est né à Budapest en 1933. Il a commencé à peindre en autodidacte pendant l�adolescence. En 1955, il obtient son diplôme de maîtrise en peinture, dans une Hongrie qui commençait à être ébranlé par les changements après la mort de Staline et l�affaiblissement du régime prosoviétique. En 1956, il y a eu une grande manifestation étudiante qui s’est terminée dans la répression et le durcissement des restrictions sur la liberté. Par conséquent, sa famille est ajoutée à la liste noire des citoyens peu fiables pour les autorités. Dans ce contexte, environ 200 000 s’exilent et Hollán s�installe à Paris pour étudier la peinture à l�Ecole Nationale Supérieure des Beaux-arts, puis il a étudié les arts graphiques à l�École nationale supérieure des Arts Décoratifs.

Hollán, comme les grands peintres et artistes, a exploité la nature pour représenter les difficultés existentielles, comme l’a fait Van Gogh et Paul Cézanne. La nature représente une force dans son oeuvre. Vous pourrez remarquer les changements qu�elle subit, dans un jeu où la couleur, l�ombre nous font pénétrer dans son univers émotionnel.

Son intéressante étude des artistes de différentes époques lui permet de tracer son propre chemin. C’est un érudit et un perfectionniste à la recherche d�une expression esthétique le conduisant à l�idéal de l�œuvre parfaite, à l’instar de la nature, où les couleurs, les textures et les formes atteignent une parfaite harmonie.

La quête permanente de nouvelles expériences et de stimulants l’ont rapproché de l’art à travers une perspective différente. Il a également acheté une petite maison d�édition en 1984 au sud de la France, où il passait ses vacances d’été. Cette maison d’édition s’est transformée dans un espace où il peut créer des illustrations à partir de mots, en bravant l�abstraction, telles que celles réalisées dans les livres du poète et du philosophe Yves Bonnefoy.

L�oeuvre  de Sándor Hollán est un plaisir pour les sens et une rencontre avec un défi esthétique qui saisit le spectateur.

Pour de plus amples informations, veuillez consulter ce lien: http://www.szepmuveszeti.hu/web/guest/articleview?mi_layout_id=29.30&mi_article_id=993

Nancy Guzman

Il vous suffit dès à présent de louer l’un des appartements à Budapest pour connaître l’œuvre de cet artiste. Après avoir découvert cette exposition, profitez pour connaître cette ville sublime.

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Traduit par: David
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Le Musée des Beaux Arts de Budapest présente jusqu�au 19 février l�exposition El Greco ti Rippl-Ronai qui réunit la collection de Marcell Jánoshalmi Nemes. Cette exposition cherche à rendre hommage au mécénat du collectionneur d�art hongrois qui est devenu une légende dans le milieu de l�art du début du XXe siècle.

L�exposition s�intitule El Greco to Rippl-Ronai puisqu�elle illustre l�amplitude de l�oeuvre contenue dans cette collection importante. On a sélectionné 120 objets dans le cadre de cette exposition, parmi lesquels on trouve les oeuvres des grands maîtres italiens et hollandais, les oeuvres d�artistes hongrois, des récipients, des sculptures médiévales et des autres objets d�art décoratif de différentes époques, des catalogues et des documents appartenant à Nemes.

Marcell Jánoshalmi Nemes est né à Jánoshalma, en Hongrie en 1866. Son statut de mécène et de collectionneur, l�un des plus importants d�Hongrie et d�Europe, suscita des spéculations. Il devint l�une des personnalités les plus controversées de son époque et une légende, puisqu�il investit dans la promotion de jeunes artistes hongrois et d�autres nationalités en achetant leurs oeuvres pour qu�ils puissent continuer leurs études de perfectionnement.

Il légua de nombreuses oeuvres de sa collection durant son existence, comme le prestigieux El Greco María Magdalena penitente et le Portrait de Ferenc Rákózi d�Ádám Mányoki, considéré comme une oeuvre patrimoniale de grande valeur, un joyau de l�art hongrois et faisant partie de la collection léguée au Musée des Beaux-Arts d�Hongrie.

Sa générosité ne se limita pas qu�à son pays natal, de nombreuses institutions comme le Musée de Munich, le Musée de Berlin, le Musée du Louvre et du Prado ont reçu des donations. De nombreuses institutions hongroises, comme le Musée d�Arts Appliqués, ont également reçu des donations et il a contribué généreusement à la fondation de la Galerie de Photographie Kecskemét, à qui il légua en 1911 pas moins de 80 oeuvres de sa collection privée sur la peinture hongroise.

Cette exposition présente ses oeuvres provenant de nombreux musées nationaux et internationaux, ainsi qu�une partie de ses oeuvres que possèdent des collectionneurs particuliers. Cette exposition cherche également à mettre en valeur la richesse de la collection et à remémorer l�image d�un artiste visionnaire sur l�art et la conservation pour les générations futures.

Vous pourrez apprécier des oeuvres importantes d�artistes hongrois du XIXe et du XXe siècle, parmi lesquelles vous trouverez les travaux de József Rippl-Rónai, Mihály Munkácsy, Pál Szinyei Merse, Károly Ferenczy, János Vaszary, Béla Uitz et de Károly Kernstok.

József Rippl-Rónai est né en 1861 à Kaposvár en Hongrie. Bien qu�il entreprit des études en pharmacologie, il s�inscrit ensuite à l�Académie de l�Art de Munich pour étudier la peinture. Il s�installa également à Paris pour étudier la peinture avec Munkácsy. Les tableaux les plus célèbres sont My Grandmother et le portrait du grand pianiste hongrois Zdenka Ticharich.

Pour de plus amples informations, veuillez cliquer sur ce lien: http://www.szepmuveszeti.hu/web/guest/articleview?mi_layout_id=29.30&mi_article_id=964

Nancy Guzman

Il est toujours plaisant de se reposer quelques jours dans l�un des appartements à Budapest une ville romantique, d�art et d�histoire offrant une très bonne gastronomie. Pour l�une de ces raisons, réservez et profitez de ce début de 2012 en l�abordant avec optimisme.

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Traduit par: David
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Jusqu�au 31 décembre la Galerie Kogart de Budapest expose De San Francisco à Woodstock- l�âge d�or des affiches américaines 1965-1971 et remémore le concert de musique qui marqua une époque et une forme de résistance à la société de consommation du XXème siècle, au travers d�affiches qui soulignent le courant psychédélique dans l�art, se concentrant sur celles produites dans la zone de la baie de San Francisco.

Les affiches soulignent de manière magistrale une époque de grandes transformations sociales qui marquèrent l�art, la musique, la politique et générèrent une esthétique propre à tous les milieux de l�action sociale. Durant ces années, San Francisco, en Californie était un espace d�effervescence d�activités qui changèrent la vie quotidienne de la ville et ses environs avec la culture Beatnik et Hippie, ainsi que des mouvements plus radicaux tels que celui des Panthères Noires dans la lutte pour les droits civils et le changement social.

Le travail graphique des affiches présentées dans l�exposition a non seulement l’intérêt historique de remémorer une époque et le Festival Woodstock, mais aussi d�avoir en elles les signes d�un nouveau courant d�art visuel, qui ont des liens avec les traditions d�Europe centrale. L�exposition contient aussi d�autres objets de cette période, tels que des documents originaux, des manuscrits faits pour ces projets, des croquis et les instruments utilisés pour son élaboration.

Le festival de Woodstock, dont le nom complet fut “Woodstock. 3 Jours de Paix & de Musique”, fut le festival de musique et d�art rock qui donna la plus grande visibilité au mouvement hippie et à ses idéaux de coexistence pacifique, rejetant la Guerre du Vietnam où mouraient des milliers d�êtres humains chaque jour. Il eut lieu dans une ferme de Belthel, à Sullivan Country, près de New York et se déroula les 15, 16, 17 et 18 août 1969. Le projet initial était de le réaliser dans le village de Woodstock, comté de Ulster proche de New York, mais la population conservatrice locale s�opposa à la réalisation d�un festival où participaient des hommes et des femmes de “coutumes douteuses”, qui dormiraient ensemble et en groupe. De là se conserva son nom initial, mais finalement Sam Yasgur a convaincu son père, Max Yasgur, de lui prêter les terrains de sa propriété.

Le festival, empreint de passivité, eut seulement trois décès, mais aucun issu de la violence et il y eut deux naissances de bébés remplis de l�esprit d�amour et de paix.

Sur sa grande scène il y eut des chants contre la guerre et en faveur de la révolution et un hommage à l�Amérique latine, on brula des drapeaux nord-américains pour répudier leur politique impérialiste et les icônes les plus importantes de tous les temps de la musique rock brillèrent telles que Joe Cocker avec sa chemise qui marqua la mode, Jimi Hendrix qui réalisa le solo de guitare le plus impressionnant en interprétant l�hymne nord-américain et en imitant avec les cordes les sons de la guerre, et Joan Baez avec ses chansons de protestation sociale, parmi un centaine d�artistes.

Le documentaire sur Woodstock. 3 Jours de Paix & de Musique, dirigé par Michael Wadleigh et édité et monté entre autres par Martin Scorsese, arriva sur les écrans de cinéma du monde entier en 1970 provoquant une véritable folie parmi les jeunes. Pour ce documentaire le producteur obtint l�Oscar convoité du meilleur documentaire.

Pour plus d�information http://kogart.hu/kogart/en/index.jsp

Nancy Guzman

Cette exposition est une belle façon de se souvenir des années dorées des 60�, ainsi, louez des appartements à Budapest et revivez cette époque où les rêves de paix dans le monde paraissaient être à portée de main.

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Traduit par: Stephanie BLISSON
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Le magnifique Palais des Arts de Budapest accueille une exposition rendant hommage aux nombreux visages de Liszt dans le cadre des célébrations du 200e anniversaire de la Hongrie. Cette exposition parcourt la vie et les voyages de Liszt à travers des photographies et une carte interactive concuesl�Université d�Art et de Design Moholy Nagy. Les Archives nationales ont coopéré en fournissant des photographies et des documents d�archives.

Franz Liszt nait à Raiding, le 22 Octobre 1811, tandis que le territoire fait encore partie de l�Empire austro-hongrois. Il commence à étudier le piano avec son père à Vienne, où il est élève de Karl Czerny, et la composition avec l�italien Antonio Salieri. En 1823, il déménage en compagnie de sa famille à Paris, ou il commence sa carrière en tant que musicien et pianiste de concert. Il profite de votre séjour à Paris pour assister à des cours de composition avec Ferdinando Paër, célèbre pour la composition des opéras en italien. Il suit aussi des cours théoriques avec le compositeur Anton Reicha.

Sa virtuosité au piano lui vaut l�honneur de réaliser des concerts importants pour l�Europe du XIXe siècle. On a dit que sa maîtrise du piano et la qualité de leurs prestations l’ont amené à créer des sons plus avancés. Grace à Franz Liszt, la musique classique a définitivement changé de style et d�interprétation.

En tant que compositeur, il est considéré comme une des figures incontournables de la nouvelle école allemande grâce surtout à des oeuvres variées allant du rapsodies, aux concerts. Ses compositions ont marqués la musique du XXe siècle.

Mais Liszt n�a pas été seulement un pianiste, compositeur et réalisateur, il a également été un enseignant avec plus de quatre cents élèves. En tant que compositeur, il a continué ses créations avec environ 350 œuvres. Il a également écrit en publiant huit volumes de texte, non compris sa correspondance avec les musiciens et les artistes de son temps. Il a fait près de 200 paraphrases et transcriptions d�autres compositeurs pour le piano.

Liszt a été un des musiciens les plus novateurs du XIXe siècle, le demontrant dans la création d�accords complexes face à la surprise des critiques nuancées de ses jours de sa rupture avec les traditions musicales. Car il explore de nouveaux chemins musicaux avec sa technique de variations thématiques. Ainsi nous pouvons voir de la Sonate en si mineur, 1853, comme le note le simple début se transforment pour donner le travail de la force tonale. Cette technique spectaculaire influencé par l�œuvre de Wagner et Strauss. Ses compositions pour piano avait besoin d�une technique difficile qui a donné à l�instrument une sonorité complètement nouvelle.

Toutes les qualités de son travail ont fait de Liszt, un des musiciens les plus recherchés de son époque. Cette exposition est un hommage à l�homme, et l�artiste que son pays, la Hongrie, lui rend parce qu�elle le considère un des hommes les plus importants de son histoire.

Pour plus d�informations http://mupa.hu/en/program/the-many-faces-of-liszt-photo-exhibition-2011-10-08_10-00-elocsarnok

Nancy Guzman

LA musique est toujours un excellent stimulant pour nos sens, si vous désirez vivre un des hommages à de ses créateurs hongrois, louez appartements à Budapest et rejoignez le Palace of Arts.

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Traduit par: AlValnegri
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Le 18 novembre, le Musée Ludwig de Budapest inaugure une exposition sur les travaux de l’artiste hongroise Rita Ackermann. L’exposition est dirigée par Kata Oltai, qui l’a organisé autour de ses derniers travaux, les juxtaposant avec certaines des œuvres de son étape initiale, dans le cadre de l’espace que le musée offre aux artistes hongrois encore peu ou pas connus.

Rita Ackermann est née à Budapest, en 1968. Elle a étudié aux Beaux-Arts en Hongrie et à la fin des années 90, elle se déplaça à New York où il vit et travaille encore. Elle commença son travail en peinture et évolua vers les arts visuels plus complexes, influencée par les tendances et les débats sur l’art ayant lieu aux États-Unis et dans les écoles d’art de New York. Son œuvre complexe qui reflète ses propres transformations va se convertir en une protégée de l’underground new-yorkais à la fin du XXe siècle.

Son œuvre mélange de manière intéressante divers langages. Musique, images et plastique, auxquels il faut ajouter plusieurs langues et expressions particulières, propre à la jeunesse ou à certaines classes sociales, tout cela lui donne un sentiment de totalité et un contenu sur le monde qui entoure New York, tel un résumé de toutes les cultures.

Une série de collage avec des dessins et des morceaux de textes poétiques reflètent la recherche de réponses d’une jeunesse qui a perdu ses rêves généreux pour l’humanité et s’est plongée dans la drogue, l’alcool et le sexe, à l’image d’un suicide collectif. Son existence angoissée ne la pousse pas à trouver des réponses dans son œuvre. On n’y trouve plutôt des questions, aucune interprétation ni critique sociale. Elle laisse cette mission aux spectateurs curieux de répondre et d’interpréter les incertitudes de sa génération.

Son regard et son discours se centre sur la fertilité et la pornographie, des antipodes qui l’amènent à contraster la procréation et le plaisir, termes qui apparaissent dissociés socio-culturellement. Ackermann tente de révéler la situation d’une génération plongée dans une société où elle est en permanence bombardée de messages sur le plaisir, mais qui sont criminalisés à l’heure de les rendre réels et sans limites. Elle l’exprime dans son œuvre la plus intéressante Escorpionun, où textes et images sont juxtaposés.

C’est la première étape de son travail, qui ouvre un chemin vers celle actuelle, où Ackermann examine l’art et les processus historiques contenus et exprimés au travers de l’art, se concentrant sur la tradition et les concepts de la peinture européenne, en contradiction avec la nord-américaine. Un point de vue intéressant qui provoque le débat sur l’histoire de l’art.

L’œuvre d’Ackermann, exposée dans la Salle du Ludwig, est un pari intéressant en regard avec les imaginaires symboliques de cette artiste hongroise, car il y a dans sa vision deux mondes, celui de l’origine et celui de la vie artistique et quotidienne.

Pour plus d’informations http://ludwigmuseum.hu/site.php?inc=kiallitas&kiallitasId=764&menuId=44

Nancy Guzman

Le Danube, de larges avenues, la culture, le romantisme et les cafés de Budapest, c’est tout ce qu’il vous faut pour cet automne. Il vous suffit simplement de louer des appartements à Budapest et de profiter des meilleurs moments de votre vie.

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Traduit par: Osito
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Le Musée de Ludwig de Budapest présente East of Eden. Photo-réalisme, Version de la Réalité jusqu�au 15 janvier 2012. Cette exposition montre l�énorme gamme de travaux et de techniques développées par les artistes du courant pictural Photo-réaliste des années 60 et 70, qui a dominé la scène de l�art en Europe et aux États Unis.

L�exposition explore un courant qui, bien qu�il soit peu connu et souvent dévalorisé par les historiens de l�art, fait partie du développement de l�art occidental, qui depuis ses formes les plus primitives, jusqu�au néoclassicisme de la fin du 19ème siècle, peut être vu comme un perfectionnement dans les techniques, qui mènera au photo-réalisme.

Le développement de la photographie, l�ampliation et la projection d�images a fait que le réalisme ait été dépassé dans les années 60 et 70, en facilitant la création de nouvelles techniques picturales qui incluent l�usage de la photographie dans la peinture.

Dans l�exposition il y a des travaux d�artistes importants, d�autres qui ont été oubliés et quelques-uns méconnus. Parmi eux se trouve le travail du peintre Nord Américain Robert Bechtle, considéré comme un des fondateurs du mouvement photo-réaliste, avec Richard Estes, Ralph Goings y Chuck Close. À son début dans le photo-réalisme, il est parti de ses propres photographies et la réalité de San Francisco. Son œuvre se trouve dans le Musée d�Art Moderne et Métropolitain de New York, dans le Musée Guggenheim, dans l�Institut Smithsonian et le Musée de San Francisco, entre autres.

William Beckman est un autre des exposants du photo-réalisme qui se trouve dans l�exposition. Beckman s�est spécialisé en peindre des photographies de haut contenu émotionnel avec une légère nuance sexuelle freudienne en utilisant une méthode qui l�a rendu célèbre. Il peint les portraits, ensuite passe un rasoir, repeint et polit la toile en créant des images brillantes. Son travail fait partie de nombreuses collections et se trouve dans le Musée Whitney d�Art Américain de New York, le Musée Moderne de Kunst de Vienne, entre autres.

Il y a aussi Milan Bočkay, peintre thèque qui a utilisé le photo-réalisme pour déconstruire et créer des images porté par sa fascination surréaliste. Pendant les années 70 il a réalisé des huiles avec ampliations de détails du corps humain et objets quotidiens.

John Clem Clarke est un des plus célèbres artistes pop nord-américains des 60�s. Il est connu pour retravailler d�anciens master et pour parcourir les marchés aux puces à la recherche de photographies anciennes ou de vieilles images pour ses peintures. Prolifique et ingénieux dans la création de techniques de photo-réalisme, cela lui a signifié d�être considéré comme un maître de l�art contemporain des États Unis et imposer des icônes qui identifient une époque avec ses peintures.

En plus des œuvres de ces grands exposants du photo-réalisme, il y a des œuvres de plus de 20 artistes qui ont travaillé la photographie.

Pour plus d�information: http://ludwigmuseum.hu/site.php?inc=kiallitas&kiallitasId=762&menuId=44

Nancy Guzman

Si tu ne sais pas comment la photographie a été utilisée pour réaliser de grandes œuvres d�art et que tu as envie de connaître cette technique, c�est une grande possibilité dont tu peux profiter si tu te trouves en vacances automnales dans un des appartements à Budapest

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Traduit par: françoise
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